Gabriela Balkey

La familia (lo ambiguo)

2010-04-07T19:44:00.013+02:00

Oleo sobre lienzo, 100 x 80, 2006

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En la serie "Lo Ambiguo", el tema central es el juego entre apariencia y realidad, entre cosas que aparecen como firmes, racionales y estables, pero que cuando se profundiza, cuando se ve más allá del primer plano, se vuelven confusas, poco claras, "arrugadas", con muchas vueltas y pliegues. Pone el acento igualmente en los "autómatas", en la forma mecánica en que la gente asume actitudes en la vida cotidiana, funcionando automáticamente, mecánicamente, cumpliendo roles "arquetípicos", transformándose muchas veces más en su función que en su ser real, único e irrepetible. La repetición inconsciente de acciones y reacciones enmascaran nuestra esencia, sin embargo, casi siempre, chiquitita, nuestra esencia se deja ver; si se mira bien.

Elles (la gente)

2010-04-01T14:47:00.067+02:00

Oleo sobre lienzo 25 x 35, 2005

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Los retratos son mucho más que la copia más o menos sistemática de facciones. Tal como yo lo entiendo, la cara es una expresión del alma, quizás la más clara y a través de los retratos es ese fondo lo que me gustaría alcanzar. Algunos de estos retratos son tomados de modelos al natural y otros de fotografías. No son personajes conocidos, son seres anónimos, hombres y mujeres que abren su interioridad a través del gesto.

Colonia (los lugares)

2010-04-01T13:00:00.020+02:00

Oleo sobre lienzo, 50 x 38, 2002

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Nunca la pintura de paisajes perderá su encanto. La contemplación de la belleza tiene un lugar de privilegio en la vida de cualquiera, del artista incluso. Si hay algo que pueda definir mi pintura como un todo, mi lenguaje particular como artista, sería el color. Me niego a usar la palabra « estilo »porque para mí es más un problema que una virtud, pero no se puede negar el hecho de que cada artista tiene una personalidad en su trabajo, algo que señala un punto común en el conjunto de su obra, marcando al mismo tiempo su diferencia con los demás artistas.

La utilización de la luz y del color que yo propongo en casi todos mis cuadros, son desde mi punto de vista, la expresión personal más característica de mi trabajo. No importa qué tipo de cuadro haga, la luz y el color están allí, omnipresentes y omnipotentes.

Viejo (la gente)

2010-04-01T01:45:00.017+02:00

Lápiz sobre papel, 23x16, 2003

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Los retratos son mucho más que la copia más o menos sitemática de facciones. Tal como yo lo entiendo, la cara es una expresión del alma, quizás la más clara y a través de los retratos es ese fondo lo que me gustaría alcanzar. Algunos de estos retratos son tomados de modelos al natural y otros de fotografías. No son personajes conocidos, son seres anónimos, hombresy mujeres que abren su interioridad a través del gesto.

Calma (los lugares, texturados)

2010-04-01T00:53:00.013+02:00

Óleo sobre tabla texturada 35x37 2006

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La materia, una vez descubierta, ya no me abandonará. La pintura lisa tiene sus maravillas, pero pintar al óleo sobre una superficie modelada de antemano con materiales naturales me ofrece nuevas posibilidades expresivas. No se trata de bajorrelieves policromos, como los antiguos griegos, fuentes de realismo. Aquí hay apenas una insinuación de existencia. Contrariamente ala pintura lisa, los elementos tienen aquí existencia física real, con luces y sombras propias que no responden a una ilusión óptica. La frontera entre el universo de lo real y el del cuadro se licua, el observador interactúa con la obra, puesto que cambiando su posición y la intensidad de la luz obtendrá efectos diferentes, volviendo al cuadro más “vivo”, más “real”. Estos cuadros deber poder tocarse (con cuidado). El tacto ha de recrearse lo mismo que la vista, e incluso quienes no ven, pueden participar del fenómeno plástico a través de esta aproximación diferente a la obra pintada.

Sueño giratorio (lo ambiguo)

2010-04-01T00:04:00.023+02:00

Oleo sobre tabla, 82x52, 2006

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Como escribíamos en la primer entrada (La Familia), en la serie "Lo Ambiguo", el tema central es el juego entre apariencia y realidad, este aspecto recorrerá toda la serie. En este caso se invierten los roles y el ser robótico, arquetípico, es el pequeño, pero en el centro, y los seres “reales” cobran importancia en la escena. Sería interesante poder hacer la experiencia de ver el cuadro al revés (rotarlo) puesto que allí se descubrirá otro cuadro, un paisaje totalmente diferente.

Montevideo (la filosofía)

2010-03-31T23:01:00.018+02:00

Oleo sobre madera texturada 32x46 1999

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No invento nada subrayando la importancia de la “proporción áurea”. Bastaría leer los trabajos de Torres García para comprenderla. Admito que mi trabajo pueda contener influencias más o menos conscientes, pero no responde directamente a Torres. Yo llegué a la « divina proporción » buscando una forma que fuera omnipresente, existiendo en todo y por lo tanto, natural a todo. Esa es la proporción verdaderamete universal. Pero cuando la construcción se hace en base a cuadrados, es porque hay naturaleza sin haber sido tocada por la mano del hombre, porque no sé si la divina proporción existe de verdad, o si es mi percepción humana de las cosas que me hace encontrarla. Existe como constante matemática, pero ¿está realmente en todo ? Aparentemente venimos al mundo con esa proporción en nuestra mente, pero ¿el universo está hecho así o nosotros estamos hechos para verlo así? Como no tengo la respuesta, cuando en un cuadro hay naturaleza, intento tener la delicadeza de no afirmar que todo el universo es como lo vemos nosotros. Elegí cuadrados porque son como pequeñas cajitas por donde me asomo a ver, sin interpretar. En los cuadros concebidos en proporción áurea, hay un común denominador: lo humano; tanto sean personajes o construcciones, la mano del hombre está allí y por lo tanto, su percepción (áurea) construye el universo visible. (continúa en la próxima entrada de la serie)

Palma te mira (los sueños)

2010-03-31T22:55:00.007+02:00

Oleo sobre papel fotográfico 11x15 1995

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El surrealismo, desde su advenimiento, ha sido desde mi punto de vista, la manifestación plástica más completa para hablarnos del inconsciente y en particular de los sueños. Todo puede pasar en un cuadro surrealista, nada es prohibido, y acercándonos, podemos leer fantasías, miedos, esperanzas, cuestionamientos, y todo un universo de sensaciones. Los cuadros surrealistas deben ser mirados con atención para percibir los pequeños detalles que de otra forma corren el riesgo de pasar desapercibidos. Cada cuadro de esta serie es para mí una experiencia única, con su propio lenguaje, su propia “plástica”. En consecuencia, intenté que no se parezcan los unos a los otros, intenté darle a cada uno su propia personalidad, única y diferente. Creo que el surrealismo aún no ha dicho su última palabra y muchos son los jóvenes (y no tanto) que están nuevamente siendo seducidos por él.

Tango passion (el instinto)

2010-03-31T21:05:00.009+02:00

Oleo sobre madera texturada 60x80 2006

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La materia, una vez descubierta, ya no me abandonará. La pintura lisa tiene sus maravillas, pero pintar al óleo sobre una superficie modelada de antemano con materiales naturales me ofrece nuevas posibilidades expresivas. No se trata de bajorrelieves policromos, como los antiguos griegos, fuentes de realismo. Aquí hay apenas una insinuación de existencia. Contrariamente a la pintura lisa, los elementos tienen aquí existencia física real, con luces y sombras propias que no responden a una ilusión óptica. La frontera entre el universo de lo real y el del cuadro se licua, el observador interactúa con la obra, puesto que cambiando su posición y la intensidad de la luz obtendrá efectos diferentes, volviendo al cuadro más “vivo”, más “real”. Estos cuadros deber poder tocarse (con cuidado). El tacto ha de recrearse lo mismo que la vista, e incluso quienes no ven, pueden participar del fenómeno plástico a través de esta aproximación diferente a la obra pintada.

Cerro (los lugares)

2010-03-31T20:54:00.007+02:00

Oleo sobre lienzo 45x30 2004

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L'autre coté (lo ambiguo)

2010-03-31T19:30:00.011+02:00

Oleo sobre lienzo 35x50 2008
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Paname (la filosofía)

2010-03-31T18:02:00.008+02:00

Oleo sobre madera texturada 43x63 2008

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"Paname" es el nombre de París en el lunfardo de los parisinos. Están representadas las "estampas" más típicas de la ciudad, sin embargo, estas estampas no son más que una visión parcial de la realidad. Esta parcialidad "turística" es parte de nuestra visión del mundo que esta serie trata de poner al descubierto.
Cada sección del cuadro es una experiencia finita, como si se tratara de los “compartimentos estanco” de los que nos habla la sociología. También eso hace a nuestra visión del universo: aún no somos capaces de alcanzar una visión holística, inclusiva de la totalidad, tendemos a fragmentar la realidad, a dividirla en unidades para poder observarla y estudiarla, respondiendo al paradigma reduccionista, mecanicista y disciplinar en el que aún vivimos, donde la totalidad es una abstracción y lo concreto, son las cosas que la componen. Lo que pretendo con esta serie, es denunciar esta visión moderna, nacida del Iluminismo y que aún subsiste. Aunque no seamos capaces de acceder aún a otra visión, al menos podemos darnos cuenta de cuánto tiene nuestra perspectiva, nuestra visión del universo, de parcial y subjetiva, encerrada en sus propios límites perceptivos. Aunque las ciencias nos hagan avanzar cada vez más hacia la explicación de lo real, ellas se refutan todo el tiempo, y los nuevos modelos del universo son válidos, solo hasta que otro, más explicativo, los refute. Por tanto, no hay forma de saber si el universo es tal y como lo describimos ahora. Mientras seamos humanos, vamos a permaneces atados a nuestra visión. Esta visión evoluciona, pero sabemos que siempre será inacabada, parcial y subjetiva. Los colores son los 4 elementos, tan típicos de nuestra visión atomizante de lo real.

Díptico: Ballena (el instinto)

2010-03-31T17:45:00.012+02:00

Ballenas, díptico. Óleo sobre madera texturada, 44x66 2004

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Una vez se me ocurrió la locura de pintar un paisaje fuera de lo común: un paisaje subacuático. En ese momento las ballenas se acercaban a las costas uruguayas como cada año y no pude evitar de decirme cómo esos animales majestuosos expresan la naturaleza instintiva que subyace en nosotros (...) Sigue en la próxima entrada del díptico: Ballenas.

Guachito (la gente)

2010-03-31T16:00:00.005+02:00

Sanguina sobre papel, 30x19, 1999

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Díptico: Ballenas (el instinto)

2010-03-31T15:59:00.015+02:00

Óleo sobre madera texturada 40x65 2004
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Viene de la primera entrada del díptico: Ballena
(...) Viven en familia, en sociedad, sienten la necesidad de permaneces juntos, pero al miso tiempo sienten la necesidad de libertad. El instinto de reproducción, de alimentación, pero también el de juego, que es igualmente presente en nosotros. Son mamíferos como nosotros y, en el fondo, parecería que no somos tan distintos.

Tango beauté (el instinto)

2010-03-31T03:05:00.005+02:00

Oleo sobre madera texturada 74x50 2006

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Una de las expresiones típicas del Uruguay y la Argentina es el tango. No es solo una música, es una forma de vivir. Expresamos en la danza, la canción, la música, todos los sentimientos, el amor, la bronca, el dolor…

Quise encontrar en los movimientos del tango, en la textura rústica y en el color, la fuerza expresiva y pasional de nuestra cultura. Es mi forma de expresar nuestro instinto primario: encontrarnos, separarnos, volvernos a encontrar; una forma de ser y de sentir muy nuestra

Eneatipos (la filosofía)

2010-03-31T01:58:00.006+02:00

Oleo sobre madera texturada 44x78 2001

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Este cuadro nace del Eneagrama, corriente en psicología que propone la existencia de 9 tipos de caracteres posibles y de 9 neurosis asociadas a ellos, que serían el origen de todo sufrimiento psíquico, uniendo cada uno de estos caracteres a una pasión dominante, es decir, a nuestra cara oscura, a lo que nos aleja del núcleo real de nuestro ser y nos impide acceder a la plenitud. Nos describe como un dado de 9 caras, apoyándonos alternativamente en una u otra, todos en algún momento tenemos algo de cada eneatipo, sin embargo es uno y no otro el que más pesa, el que más duele, el que está en el centro de nuestro ser . Aprender a vivir con él es superarlo.

Muy esquemáticamente planteado y sólo a efectos de interesar al lector en el tema, los eneatipos presentados son los siguientes:

El 1, cólera y perfeccionismo, caracterizado por la “rectitud.” Representado aquí con unas “tablas de la ley”. Rígidamente construido, él no puede salir de la norma, exigente y deseoso de “mejorar” a los demás. Es organizado y eficaz, pero es prisionero de esos “deberías”; su cólera está vuelta también sobre sí mismo. Carente de espontaneidad, tiene enormes problemas apara entrar en la esfera de los sentimientos.

El 2, orgullo e histrionismo. Es un personaje que no tiene nada, porque aparentemente no tiene necesidad de nada, se basta a sí mismo. Representado con una mano sobre el pecho, posando en una actitud teatral de orgullo, siempre listo a ayudar para reafirmar su propia imagen de seguridad. Vive seduciendo para obtener la aprobación ajena, para que los demás lo vean como se ve así mismo: grandioso. Su necesidad de afecto real ha desaparecido, desarrolló una independencia a toda prueba; lo que busca es que lo amen, no por su ser real, sino por la imagen que tiene de sí; su ser real ha sido ferozmente reprimido.

El 3, vanidad y orientación mercantilista. Representado por una flor y un espejo, enamorado de la imagen idealizada de sí mismo, encantador y pleno. Lejos de su ser real, solo reconoce y expresa los sentimientos “correctos”. Es jovial, poco profundo, adulador. Se siente inferior al prototipo que idolatra; si se deprime, inunda su vida de trivialidades. Todos sus actos son destinados a su « audiencia» y responden a la necesidad frustrada de ser visto. Es combativo y ambicioso. Como termina por creerse su máscara, pierde la capacidad de sentir.

El 4, envidia y masoquismo. Aquí está inmensamente sólo, rodeado de un gran espacio vacío, mirando sus manos vacías: no tiene nada. La frustración y sensación de vacío son causa de su envidia, como si los otros tuvieran algo que él no tiene. Insatisfecho, Puede parecer feliz, pero es sólo un escape de la tristeza eterna. Se compara con los que viven feliz y simplemente. No ser “simple” le da el sentimiento de ser especial, y hay algo de noble, de aristocrático en su dolor. Es el más apasionado, sublima su sensación de vacío y dolor crónico a través del amor conyugal o del arte.

EL 5, avaricia y desencanto patológico. Representado con las manos escondidas tras la espalda, una venda en la boca, porque si tiene algo, no nos lo mostrará, ni nos lo dirá. Indiferente, resignado, renuncia estoicamente a lo exterior y se encierra en sí mismo por no correr el riesgo de que le roben alguna cosa. Tiene un fuerte miedo a la dependencia y prefiere la soledad a la aventura poco prometedora de una relación; tiene miedo de lastimar y al mismo tiempo, miedo de ser devorado por el otro. Tiene en general, una mala imagen de sí

Le 6, cobardía, carácter paranoide y acusativo. Agresivamente desconfiado. Combina una evaluación excesiva de sí con la incertidumbre. Su hipersensibilidad al rechazo, al sentimiento de estar en falta y de humillación le complica generar relaciones, a menos que se le de una completa garantía de aceptación sin crítica. Este miedo a la experiencia produce “intelectuales” y devotos de la razón, lejos del sentimentalismo, vueltos hacia lo teórico, y es por ello que es representado aquí con el rostro disimulado tras un libro.

El 7, gula, fraude y narcisismo. Su cabeza está encerrada en una TV yen su mano, un sombrero de donde saca conejos. Es el típico charlatán, lleno de un deseo feroz de poseerlo todo, de “tragarse” todo. Es arrogante y sus fantasías no tienen límite, pero cuando se le pincha la burbuja, cae en un abismo de sentimientos de tristeza y vacío. Es un soñador en búsqueda permanente de fantasía y aventura, y si no las encuentra, las inventa. Incapaz de respetar sus compromisos, jamás se sentirá culpable, pero es todo una ilusión para disimular su inseguridad, en una lucha desesperada para negar el sufrimiento.

El 8, sadismo y lujuria. Sensación de no estar suficientemente vivo por lo que es el más insensible. Niega totalmente la interioridad, impulsivo y violento, jamás siente miedo, busca la gloria con intensidad suprema, en una especie de venganza contra todos, respondiendo a una humillación que puede haber sentido. Cree que en el fondo, todo el mundo es malo y que los buenos gestos nos pura hipocresía. Plenamente autosuficiente porque en el fondo se siente excluido de la vida. Le vemos aquí con una lanza y un látigo.

El 9, adaptación, pereza, inercia. Gentil, generoso, laborioso, tranquilo, disfruta, pero o es más que el resultado de una evasión total de la interioridad. Permite a los demás decidir por él, es apático. Rutinario, resignado, Sus sentimientos son alterados por una falta de memoria y renuncia de sí. Parece el más “sano” de todos, porque es justamente el mejor adaptado ala sociedad. Lo representé con una caja en la cabeza, porque refiere simplemente, no ver.

Vemos también un espiral de luz que emana de la única sección gris del cuadro, el núcleo de la neurosis, el gris en nosotros, y que termina en una ventana porque la salida existe, no sé exactamente cómo es, pero al final, seguramente, hay un cielo despejado

La chute de Venus (los sueños)

2010-03-31T01:57:00.000+02:00

Óleo sobre lienzo 60x80 2008

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La vuelta a la figuración que propongo no es un simple regreso a lo “real”. Tras 50 años de experiencias más o menos abstractas, podemos sentir cómo la gente tiene necesidad de encontrar algo “legible” en un cuadro. Aún cuando sé el riesgo que tomo, porque las instituciones artísticas dictan otra cosa, yo defiendo la idea de un arte que pueda hablar no solamente a los “conocedores” sino a todos quienes tengan un grado de sensibilidad. Quiero un arte que pueda despertar la imaginación, tan necesaria hoy en día.

Mallorca (los lugares)

2010-03-31T01:00:00.007+02:00

Oleo sobre lienzo 34x47 2000

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El mensaje (los sueños)

2010-03-31T00:57:00.006+02:00

Oleo sobre cartón 40x50 1997

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Los 4 cielos (los sueños)

2010-03-30T23:58:00.002+02:00

Oleo sobre lienzo 1999

Nórdico (los lugares)

2010-03-30T22:55:00.002+02:00

Oleo sobre lienzo

Pesca (la filosofía)

2010-03-30T20:03:00.002+02:00

Oleo sobre madera texturada

Negra (la gente)

2010-03-30T19:30:00.002+02:00

Lápiz sobre papel, 23x16, 2003

Retrato de dalí (los sueños)

2010-03-30T09:55:00.002+02:00

Oleo sobre carton

Pax (la gente)

2010-03-30T08:55:00.006+02:00

Oleo sobre lienzo, 32x23, 2005

Campo (los lugares)

2010-03-30T07:53:00.002+02:00

Oleo sobre lienzo

Muchacha (la gente)

2010-03-30T01:01:00.003+02:00

Sanguina y técnica mixta sobre papel

Eclipses (los lugares, texturados)

2010-03-30T00:56:00.002+02:00

Díptico. Oleo sobre madera texturada

Rouge (los lugares, texturados)

2010-03-27T01:04:00.002+01:00

Oleo sobre madera texturada

Cadaqués (los lugares)

2010-03-26T00:52:00.002+01:00

Oleo sobre lienzo 2000

Brasilera (la gente)

2010-03-25T00:56:00.002+01:00

Lápiz sobre papel 2002

Lo que ellos quieren (los sueños)

2010-03-25T00:54:00.002+01:00

Oleo sobre lienzo

La aventura del artista integral

2010-03-24T07:18:00.024+01:00

La aventura del artista integral

Las grandes tendencias del arte contemporáneo, nacidas del conceptualismo y del minimalismo, con sus procesos hacia la radicalización y su esfuerzo desesperado por perpetuar la originalidad, han surgido hace mas de 30 años y se han convertido en el arte “institucional y académico” de hoy en día, que es enseñado en las escuelas de arte, expuesto en las galerías, los museos y en las lujosas colecciones de las instituciones, y bendecido por el mundo oficial.

Existe sin embargo un divorcio evidente entre esas formas artísticas y el público. Al decir de varios historiadores del arte, asistimos a un “neo manierismo”, pero nacido de las vanguardias y no ya del renacimiento. El arte contemporáneo que era un gesto de compromiso, de redescubrimiento, o de protesta contra el mundo, se ha vuelto una entidad cambiante, sin dirección precisa, en proceso de transformación constante y difícil a colocar entre las necesidades de una sociedad que le da sistemáticamente la espalda.

Para el arte conceptual, es la reflexión sobre la obra, el “concepto” lo que importa, el proceso creativo más que el objeto artístico creado, y se vuelve un arte sin objeto -en el verdadero sentido del término-, lo que implica por consecuencia, una disminución de la exigencia técnica, casi un verdadero desprecio por la misma. Esto ya ha sido observado y criticado por los más importantes historiadores del arte como Gombrich y por los movimientos artísticos radicales como el “nuevo academicismo norteamericano”, que a decir verdad, parece situarse en el extremo opuesto.

A causa de sus limitaciones auto impuestas, el arte “conceptual” contemporáneo encuentra cada vez menos respuestas visuales o soluciones espaciales y se acerca cada vez más de la literatura y del ensayo, al tiempo que se aleja de las artes plásticas. Una crítica se alza entonces sobre la validez de ciertos recursos artísticos que forman parte desde hace mucho tiempo del stablishment de museos y galerías, pero se trata de recursos que parecen haber perdido la capacidad de transmitir ideas más allá de la moda.

Yo me propongo en ese sentido, recuperar el objeto plástico en sí mismo, guardando el misterio de su fabricación, su capacidad de ser sensual y seducir. Yo quiero reposicionar en primer plano a la obra en tanto que producto final y acabado, y de reconducir la búsqueda, la investigación de artista y sus experimentaciones al recinto del taller. Quisiera devolverle al público una especie de magia que dejaría de fascinar si se mostrara el truco, es decir, el proceso de creación.

Mi objetivo no es sin embargo recuperar la pintura tal como era concebida hasta las vanguardias, que identifican al artista con un estilo determinado, como una grifa pegada a un producto. En esta exposición el visitante vera obras realizadas en diferentes técnicas que abren vías a varios “estilos”. Esto no es casualidad, bien al contrario es lo que pretende ser.

“Un solo sistema de no es ya suficiente para describir el universo”.”La realidad es tan vasta que no puede explicarse por un solo sistema de descripción”, según los científicos. Mientras que la física nos explica el universo palpable, la microfísica nos describe el universo subatómico y los dos, siendo tan diferentes, son válidos y necesarios. La física contemporánea nos habla de universos totalmente diferentes, coexistiendo no paralela, sino inextricablemente unidos, interdependientes.

Si esta noción es válida para el universo material, por que no valdría para el universo de las emociones, para el universo del alma y por ende del arte? Por qué deberíamos obstinarnos en una visión unívoca donde cada artista debe tener una y una sola voz, un solo lenguaje propio y único? Tengo tendencia a asociar la necesidad de un estilo a una cuestión de egocentrismo, a la vanidad del artista que se ha hipertrofiado a lo largo de los anos. Muy frecuentemente el estilo se ha vuelto aún más importante que la obra en si misma. Hemos creído durante mucho tiempo que para ser artista un pintor debe ser reconocido de primer golpe de vista por su estilo bien definido.

Mi objetivo es completamente otro: yo pretendo explorar sin pausa nuestra multiplicidad, la capacidad de pluralidad en nosotros. Propongo interpelar al espectador, instalarlo delante de su propia complejidad, delante de su propio universo multiforme a través de una propuesta artística polimórfica tal como otros lo han hecho ya, entre otros por ejemplo el alemán Richter a quienes los críticos calificaban de “camaleón” a causa de su falta de estilo definido pero que aplaudían entusiastas.

Adoptar un estilo y exprimirlo hasta sus últimas consecuencias constituye una vía de exploración, pero no es, sin ninguna duda, la única. Desde mi punto de vista esa metodología tiende a encadenar la creatividad dentro de reglas extremadamente estrictas y entorpece la expresión de toda la versatilidad y la riqueza posibles.

Yo creo que esta visión del arte es consecuencia directa de la filosofía moderna, que desde el renacimiento pregona la racionalidad, la atomización del conocimiento y de la técnica, la especialización como la única vía valida de acceso a la “verdead”, (Descartes) y al especialista, ese exótico personaje que sabe casi todo de casi nada, como su resultado inevitable. Por el contrario, pienso que marchamos, como sociedad, hacia una visión más holística, que integra mucho más la diversidad y la complementariedad, donde la verdad se vuelve evanescente, inalcanzable, y si existe una, ella nacería más de la diferencia que de la similitud. Son curiosamente las ciencias duras y no la mística trascendental las que nos llevan por estas vías. No pretendo otra cosa que hacer resonar en el conjunto de mi trabajo, como un eco persistente, este tiempo de transformaciones profundas donde el arte es llamado, como siempre lo ha estado, a romper los esquemas de lo esperado.

Cuando eso es comprendido, se entenderá también que la pintura no es suficiente. Dentro de esta nueva concepción del arte, debemos explorar también otros dominios artísticos, y pretendo ser coherente con mi propuesta. Es por ello que hago música, que tengo 103 canciones escritas, de las que 48 ya se encuentran grabadas y algunas editadas en Uruguay.

Es por la misma razón que obtuve mi diploma en la escuela de teatro La Gaviota en Montevideo, y que participé como actriz o directora en la puesta de varias piezas teatrales. Es en el mismo espíritu que publiqué un pequeño libro de poemas “Balada en Re menor”, y que preparo actualmente la edición de mi primera novela “Anomalía, una estación en el viaje”.

Se dice que “quien mucho abarca, poco aprieta”, que corremos el riesgo de rozar apenas la superficie sin comprometernos a fondo, sin embargo, el esfuerzo de hacerlo es indispensable. En mi caso particular, he decidido separar mis investigaciones por períodos: durante ciertos meses o años, trabajo sobre la música, cuando logro obtener un producto artístico satisfactorio, me pongo a explorar la pintura, y luego recomienzo. Pero es normal que mientras que creo una canción, un arreglo, o que estoy tocando la guitarra, ideas plásticas invaden mi espíritu. Encuentro que hay cosas que no puedo decir de otra forma que no sea por medio de colores y viceversa, puede que buscando un color y que en ese momento me de cuenta de que no puedo decir lo que quiero sino a través de una melodía…

Consagrar toda una vida a una sola cosa para llegar a un objetivo cualquiera es una forma de pensar que nace directamente de la mentalidad “moderna” y de su idea disciplinaria. Durante el Renacimiento a nadie se le hubiera ocurrido. Leonardo era a la vez pintor, arquitecto, científico, músico; Bruno era filósofo, dramaturgo y astrónomo; Vasari era músico, pintor y escritor. Podríamos continuar enumerando casos similares. A lo largo de todos estos siglos, hemos visto cómo diferentes artistas y científicos han encontrado la riqueza de su espíritu en la diversidad de la expresión: conocemos a Tagore por su literatura, pero podríamos conocerlo como músico o pintor, conocemos a Einstein como físico, pero podríamos conocerlo como el violinista genial que también supo ser. Esta actitud a sido individual, casi instintiva pero en absoluto articulada y explícita, salvo por los humanistas que jalonaron el Renacimiento.

Reencontrar este espíritu, eso es lo que propongo.

Actualmente, mientras que todo parece haber sido ya hecho, donde el arte se encuentra en una especie de callejón sin salida, una especie de Renacimiento se nos muestra como indispensable. Nuevas ideas sobre el arte y el artista deben ser formuladas.

Desde mis comienzos en el arte, he encontrado gente que se siente mas atraída por mis canciones que por mis cuadros, por un personaje actuado en una obra que por mis libros y viceversa. Los invito aquí a descubrir un trabajo plástico-musical-literario producto de más de 15 años de búsqueda.

Se puede tener más talento para una cosa que para la otra, ciertamente, pero es el público quien debe juzgar. Yo creo que el artista, en cuanto a él mismo, debería buscar en su interior su propia diversidad, su capacidad de ser múltiple, de hablar muchos lenguajes artísticos diferentes, de ser en fin, un artista completo, integral, porque su objeto no debería ser una técnica, una expresión puntual del alma, ni una disciplina, su objeto es, desde mi punto de vista, la sensibilidad humana, donde sea que ella se manifieste. Sé que mis ideas son controversiales y discutibles, les propongo exactamente eso: observar, repensar, y discutir.

Biografía de Gabriela Balkey

2010-03-24T06:52:00.011+01:00

Estudios y experiencia profesional

Gabriela Balkey nace en Montevideo en 1970. A los 18 años comienza a trabajar como periodista en el Diario La República. No abandonará el periodismo hasta el 2005, habiendo trabajado en diversos medios escritos, radiales y televisivos.

Estudia teatro en la Escuela La Gaviota: Realiza además numerosos talleres de expresión corporal y dirección cinematográfica de actores. Ejerce como actriz primero y como directora más tarde en algunas piezas teatales.

Estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Uruguay entre 1993 y 1997, al mismo tiempo que estudia guitarra, canto y composición musical. Es miembro de la banda Ileri.

En 1997 parte a Europa para completar su formación en el Atelier Van der Gracht en Amsterdam, en donde es guitarrista y coreuta de Bragadum, una banda de música brasilera basada en Holanda.

En 2000 a su regreso a Montevideo ingresa en la Escuela Pedro Figari donde estudia hasta 2004 en los talleres de Picardi, Castellanos y Cabrera.

En 2005 vuelve a emigrar a Europa para estudiar en Paris. En 2009 egresa de La Sorbona con el título de Licenciada en Historia del Arte.

Se apresta a realizar un máster en Educación interdisciplinar de las artes en la Universitat de Barcelona, España.

Exposiciones

· 2009 Exposición colectiva: Mairie du Quartier Latin, 5to. arrondisement, Paris, Francia

· 2008 Exposición individual : Dolce Club de Golf, Chantilly, Francia

· 2007 Exposición individual : Embajadla del Uruguay en Paris, Francia

· 2007 Hace 6 cuadros para un film de Dominique Filhol, Francia

· 2006 3 de sus cuadros son recogidos en un film de Alvaro Moure, Francia

· 2005 Exposición individual : Parque Tecnológico en Montevideo, Uruguay

· 2005 Exposición individual : Apartado, Montevideo, Uruguay

· 2005 Exposición colectiva : El Remanso, Punta del Este, Uruguay

· 2005 Exposición colectiva : Ayacucho, Buenos Aires, Argentina

· 2005 Exposición individual : Lobizon en Montevideo, Uruguay

· 2004 Exposición individual : Ateneo de Montevideo, Uruguay

· 2004 Exposición individual : Casona del Prado, Montevideo, Uruguay

· 2003 Exposición individual : Sargent Peppers de Porto Alegre, Brasil

· 2003 Exposición colectiva : La Capilla en Punta del Este, Uruguay

· 2002 Exposición colectiva: W Lounge. Montevideo, Uruguay